凡高的绘画创作
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根据凡高的人生经历和创作特点，正一艺术把凡高的绘画创作活动划分为七个时期：
1、早期创作(1881年4月12日-1883年9月12日)包括
埃顿时期(1881年4月12日-1881年12月30日)
海牙时期(1881年12月31日-1883年9月12日)
德伦特时期(1883年9月-1883年12月)
梵高的创作初期包括埃顿时期，海牙时期和德伦特时期。1881年4月，梵高到父母居住的埃顿，他开始了绘画的学习和创作。1881年12月梵高来到海牙，他得到了已经很有名气的画家亲戚安东·莫夫（Anton Mauve 1838.11.18-1888.2.5）的帮助，梵高在莫夫的指点下，绘画技法进步很快。1883年9月，与西恩赴荷兰北部之德伦特开始画油画。12月回到荷兰南部之纽南。梵高1881前曾在荷兰博里那日矿区投身宗教工作时受到巨大打击，对上帝几乎绝望，却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。他开始大量临摹名画，并画了大量素描习作。可以说，梵高是一个自学成才的天才画家。他从小受到艺术熏陶，又有极高的文学素养，这使他具有很高的艺术鉴赏力。梵高喜欢伦勃朗，喜欢米勒，他用自己的画笔描绘农民，工人，社会底层人。深沉厚实的风格虽与其以后的画风有极大的反差，但画中所表现出的气质与精神却是永恒不变的。
2、纽南时期创作(1883年12月-1885年11月27日)
1883年底，梵高回到父亲供职的教堂所在地纽南。在纽南的两年时间里，梵高苦练素描技巧。在画了大量素描写生和习作后，他完成了第一幅著名作品（所谓的著名都是后人评价的结果，当时的梵高只是个待业青年）－《吃土豆的人》。这幅作品和他这一时期的很多作品都受荷兰现实主义画风的影响，画面深沉，有极强的乡土气息。这也表现出梵高很强的农民情结，他似乎很想成为一位农民画家。一方面，他受到“精神导师”米勒的影响，更重要的可能是内心深处对乡间生活的向往，对淳朴农民的尊敬和对诚实劳动的赞美。
梵高最早的油画是作于1882年。这些早期的画作说明他在年青时对于明暗对比的应用、厚涂颜料和颜色缺乏光泽方面，受到荷兰画派影响颇深。在纽南时期的肖像习作使梵高学会了构图，自此其肖像画创作变得成熟。
梵高早期最出色的作品之一《吃土豆的人》完成于1885年，是这个时期的典型作品。这幅画是他1883年到1885年间在纽南逗留期间观察和工作的产物。在海牙居住时，由于工业化，城市贫民区的居民被驱赶到矿场山底下工作，他们的悲惨处境带给梵高很深的印象，所以他就着手画一系列农民习作，描绘他家附近田间和村庄里的人物。
3、安特卫普时期创作（1885年11月28日—1886年2月28日）
1885年11月底，梵高决定去安特卫普，在那里的3个月里，他努力的学习绘画并沉醉于其中。在此期间，他了解鲁本斯的绘画，接触到了日本浮世绘，这些都对他此后的绘画历程有很大影响。梵高此时期的作品延续了纽南时期的现实主义风格和深沉的笔触，但他也渐渐使画布变得明亮了些，色彩也丰富了些。
4、巴黎时期创作（1886年3月—1888年2月20日）
1886年2月底，梵高同提奥一同前往巴黎。巴黎之行成为梵高艺术上的转折点，在那里，他接触到早期印象画派艺术，结识了劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会，从马奈、莫奈、雷诺阿的光色变幻的色彩价值中受到启发，促使他改变自己原先的阴郁风格。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非凡的个性。
很快，梵高走了一条新路。他内心有一种更为强烈的主观愿望需要表达。他需要找到一种能够充分传达内心感受的绘画方法。他从德拉克洛瓦和当时流行于巴黎的日本版画中吸取养分。德拉克洛瓦的鲜明色彩和奔放笔触给他带来视觉冲击；他又从日本版画中看到一种东方式的主观变形效果和使用原色的魅力。
在受到印象派影响后，梵高的画风发生了变化，画面变得明亮起来。他还在创作中吸收了印象派的一些技法，如点彩法等。这一时期梵高开始了大量的自画像的创作。2年后，梵高渐渐厌烦了巴黎的城市生活。他并不满足于印象派的表现手法和思想理念，而他独特的个性告诉我们，梵高的绘画不属于任何流派，于是梵高带着希望来到法国南部，充满阳光的小城阿尔，迎来了他最辉煌的创作时期。
5、阿尔勒时期创作（1888年2月21日—1889年5月3日）
1888年，梵高前往法国南方阿尔勒实践自己的理想。对他而言，艺术是一种纯个人的表现形式，他认为作品的真正价值在于诚实体现个人的感受。他要把自己情感作为艺术创作的动力和表现对象。在阿尔的短短的两年中，他创作激情喷涌而出。他在给提奥的信中说道：“我经常神志不清，意识不到自我，画面就像梦幻一样冲我而来。”
这个时期，他画肖像画、自画像、柏树、向日葵、麦田、星空、太阳。这时颜料的革新也给他带来鼓舞。他尝试用一种原色来表达主题，用近似的补色作画面的呼应与映衬，或用鲜明的对比色作深入的延伸。
从《向日葵》中，我们可以看到一种高纯度色彩所带来的强烈的视觉冲击力，明亮的铭黄作为背景，衬托着用中黄和橙黄描绘的向日葵，令画面有一种极致的灿烂效果。
他还以蓝色或黄色基调尝试画不同的自画像，他深入探寻自己内心的奥秘，以及在激情驱使下出现的不同的情绪张力。梵高是继伦勃朗之后又一个大量绘画自画像的艺术家，他像伦勃朗一样，有一种深入自己精神深处的愿望，他的孤傲与自我期许令他不断地趋向自己的内在。
而《夜间咖啡馆》则有着巨大的压抑感。梵高将红色和绿色并置，以期达到画面的不和谐效果，桌球台像一具棺材那样醒目地横陈在中间，零落的几个人散置在周围，死气沉沉。梵高在信中曾谈到这幅画：“我在《夜间咖啡馆》里利用红色和绿色来表现人类的可怕情景，这些色彩不是呆板地按照现实主义的原则要求……而是一种富有暗示力的色彩运用……我试图表现出夜间咖啡馆是一个令人发疯、犯罪的场所；我通过柔和的粉红色、血红色、深红的酒色和一种甜蜜的绿色、委罗奈斯绿相对照来达到这一目的。这一切表现出一种火热的地狱气氛、惨白的苦痛、黑暗，压制着昏昏欲睡的人们。”
《黄房子》为梵高在阿尔勒的居所，他租下位于画面上建筑物右侧一个小房间，希望尽快接纳高更前来一同居住与绘画。梵高画这幅画是充满感情的，他打算把黄房子变成一个画家之家，这是他的一个具有乌托邦色彩的想法。他曾在给弟弟提奥的信中谈到了他的设想：“我想把它搞成一个真正的‘画家之家’，它并不华贵，正相反，其中没有一样华贵之物。”在这幅作品里，黄色房子位于满是尘土的拉马丁广场左侧，在深蓝色天空下闪闪发亮。他当初想把这幅画画成夜景：“窗口亮着，空中繁星闪烁”，但在定稿时，他强调了阳光的照射所带给人温暖的感觉。
在阿尔勒，猛烈的阳光和刺目的麦田使他“疯狂”。梵高的创作进入了高峰。虽受法国印象派和日本浮世绘影响，但他的作品已极具个性，这源自其独特的视角和敏感的性格。他热爱大自然，热爱生命，他不满足于只是理性的“模仿事物的外部形象”，而要借助绘画“表达艺术家的主观见解和情感，使作品具有个性和独特的风格”。所以，梵高是用心灵作画的大师。梵高在阿尔创作了大量的作品，但仍无法卖出以养活自己。《向日葵》《收获景象》《夜间咖啡馆-室外》《夜间咖啡座-室内》等是这一时期的代表作。
幸好，梵高在艺术上有着勃勃雄心，他不相信先前的艺术家已经捕捉到了法国南部的所有风光。在他看来，许多艺术家的作品遗漏了事物的精华。“贤明的主啊，我已经看过了一些画家的作品，他们根本没有真正画出这些事物，”他欢呼道，“在这里我还有充足的发挥空间。”
举个例子，没有人曾经捕捉过阿尔勒镇上中年中产阶级妇女独特的形象。“这里有一些妇女像弗拉戈纳尔或是雷诺阿画中的人物。但是，这里还有一些女人是此前在绘画中从未被赋予某种标记的。”他还发现自己在阿尔勒镇外看到的在田间劳作的农夫也被艺术家忽略了：“米勒重新唤起了我们的思考，使我们能够看到大自然中的居民。但是，直到现在仍然没有人画出真正的法国南方人。”“我们现在已经基本知道如何去看待农夫了吗？不，几乎没有人知道如何将他们表现出来。”
在梵高于1888年踏上普罗旺斯之前，百年来一直有画家把这个地方的景色搬上画布。普罗旺斯比较知名的艺术家有弗拉戈纳尔、康斯坦丁、毕道尔和艾吉耶。他们全部都是现实主义画家，他们都信奉一个经典的，而且较少引起争议的观点，即他们的任务就是在画布上展现了一个视觉世界的精确版本。他们走进普罗旺斯的田野、山川，画出了栩栩如生的柏树、林子、青草、麦子、云朵和公牛。
然而梵高却坚持认为，他们中的大部分并没有画出这些景物的神髓，对普罗旺斯的描绘不够真切。我们倾向于将那些充分表达出周遭世界核心要素的图画称为现实主义的作品。但是世界是如此复杂，并足以使两幅描绘同一个地方的现实主义作品因艺术家风格和气质的不同，而呈现出完全不同的景象。两个现实主义画家有可能坐在同一片橄榄林的一端，创作出迥异的素描。每一幅现实主义作品都代表一种选择，画家从真实世界中选取他认为突出的特质来表现：没有一副绘画作品可以捕捉整个世界，就好像尼采略带嘲讽地指出的那样：现实主义画家。
6、圣雷米时期创作（1889年5月3日-1890年5月16日）
1889年2月，梵高第二次精神病复发。他白天在自己工作室里画画，到了晚上住进医院。阿尔城的一些居民递交了一份申请：请求当地政府对梵高进行隔离。同年5月，梵高第三次发病。
1889年5月8日，梵高自愿来到离阿尔勒25公里的圣·雷米。在圣-保罗精神病院治疗。这时的梵高已陷入对精神病的恐惧和对前途的迷茫中。他每隔几个月发一次病，但事后却非常清醒，并且经常到户外作画。令人惊叹的是，梵高在这样的情形下并没有颓废，开始以火一般的热情继续画画。他画的不是阿尔城的向日葵画，而是柏树和橄榄树画，画出了一幅幅更加成熟，更加大胆，更加令人震撼的作品。这一时期的作品，许多都表现出强烈的情绪和“视觉冲击”，旋转的线条，粗犷有力，让人感到画家复杂强烈的感情和表达的冲动。
《星空》呈现的是奇异璀璨的夜空景象。原本寂静的星空在梵高笔下变得躁动、奔放和跳跃，粗重的笔触有力地扫过画面，使云层像蓝色的火焰一样旋转和燃烧，星星则宛如太阳一般含着硕大的黄色光晕。画面映现出一种疯狂与诡异的情绪，强力地传达着梵高的内心景象。
梵高在圣·雷米病院中所画的最初的油画中，画满了这里的花或植物。其中最出色的显然是在花园里画的一幅大油画, 画中的鸢尾花好像是由花和叶子精致编成的纺织品, 上面几乎既看不见地, 也看不见天。整个画面构图以相同形状的花、相同形状的叶子、相同的颜色反复出现来表现百花盛开的令人眼花缭乱的情景。
代表作品有：《星夜》、《柏树》等。值得一提的是，正是这时，评论家开始评论梵高，而且卖出了他生前唯一一张油画《在阿尔勒红葡萄园》。
7、奥维尔时期创作（1890年5月21日—1890年7月29日）
1890年5月17日，梵高前往巴黎，与弟弟提奥和他的妻子，及他们刚出生一年多的儿子见面（梵高的侄子也叫文森特·梵·高，后来成为出色的工程师，荷兰阿姆斯特丹梵高美术馆就是在他的奔走下建立的。）
5月21日，梵高搬到巴黎附近的奥维尔接受加歇医生的治疗。一切都很顺利。但《麦田群鸦》这一著名作品被认为预示了梵高的死亡。
梵高在奥维尔创作的作品中, 有13幅画面窄长的作品格外引人注目, 在意境上似乎构成了一个整体, 而且明显地带有乡间乌托邦色彩。研究梵高的学者乌都注意到了这十几幅画另具一格的构图。它们同属一类, 两个正方形的长度以及在某种程度上所表现的内容都类似于皮维·德·沙瓦纳和卡米耶·毕沙罗的装饰画。梵高来奥弗途经巴黎时看到过他们那些装饰画。然而, 人们一般总是把梵高这些两个正方形长度的作品一幅一幅地单个分析。例如"麦田群鸦"就一直被孤立看待, 人们盲目地认为它是梵高的"最后一幅作品", 认为这幅画从根本上说是作者心理的自我表现, 说这幅作品以及梵高在奥弗的其他作品是作者精神变态的产物, 暗示了作者即将自杀。这样看法掩盖了这些作品的真正内涵和它们之间的联系。但若从总体上考察, 这些作品构成了一个有自己独特风格的装饰画系列, 它们所描绘的田野、树林、花园, 甚至单人的肖像, 都反映了一种现代的田园生活理想。
梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。
"奥维尔这地方非常美，那些越来越少的古老茅屋，更美!"——梵高
我更相信那美丽来自梵高的心中！——左立新
在这最末期的作品中，更显得自在阔达，宛如深藏在自然中魅惑的根源，被他的笔尖诱上了画布。南法时期的作品中，蓄满血丝、煎熬的视线，至此时已有改变，现在的线条像舞台上的音乐，含有律动感。柔软的笔触时而强、时而轻，那种缓急轻重感，变得很自在。
《麦田群鸦》尽管有着他那惯有的金黄色，但却充满令人不安的气氛，蓝天中弥漫着低沉的乌云，一群凌乱低飞的乌鸦掠过麦田，像是一种不祥的预兆，虽然红绿色相间的小路和黄色的麦田在波动起伏，像是在奋力抗争，但整个画面沉重得叫人透不过气，似乎空气也凝固了。狂暴跳动的笔触增加了一种紧张感和压抑感。画作反映了他痛苦绝望的心境。他在信中写道：“忧郁的天空下是广阔的麦田，我无需费力表达我的悲伤和极度孤独。”“我听见乌鸦的翅膀拍着大地。”
画完这幅画的第二天，7月27日，星期天。他来到这块麦田上，对着自己的胸膛开了一枪。但没有打中要害，他自己支撑着回到旅店。他拒绝接受治疗，也有说是由于子弹太深了，已无法医治。
7月28日一早，提奥赶到奥维尔。他坐在梵高床边和他一起回忆童年的时光……
梵高在弥留之际说道：“痛苦将永存”
7月29日黎明，梵高逝世。死时年仅37岁。
1、早期创作(1881年4月12日-1883年9月12日)包括埃顿时期(1881年4月12日-1881年12月30日)
海牙时期(1881年12月31日-1883年9月12日)
德伦特时期(1883年9月-1883年12月)
梵高的创作初期包括埃顿时期，海牙时期和德伦特时期。1881年4月，梵高到父母居住的埃顿，他开始了绘画的学习和创作。1881年12月梵高来到海牙，他得到了已经很有名气的画家亲戚安东·莫夫（Anton Mauve 1838.11.18-1888.2.5）的帮助，梵高在莫夫的指点下，绘画技法进步很快。1883年9月，与西恩赴荷兰北部之德伦特开始画油画。12月回到荷兰南部之纽南。梵高1881前曾在荷兰博里那日矿区投身宗教工作时受到巨大打击，对上帝几乎绝望，却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。他开始大量临摹名画，并画了大量素描习作。可以说，梵高是一个自学成才的天才画家。他从小受到艺术熏陶，又有极高的文学素养，这使他具有很高的艺术鉴赏力。梵高喜欢伦勃朗，喜欢米勒，他用自己的画笔描绘农民，工人，社会底层人。深沉厚实的风格虽与其以后的画风有极大的反差，但画中所表现出的气质与精神却是永恒不变的。
2、纽南时期创作(1883年12月-1885年11月27日)
1883年底，梵高回到父亲供职的教堂所在地纽南。在纽南的两年时间里，梵高苦练素描技巧。在画了大量素描写生和习作后，他完成了第一幅著名作品（所谓的著名都是后人评价的结果，当时的梵高只是个待业青年）－《吃土豆的人》。这幅作品和他这一时期的很多作品都受荷兰现实主义画风的影响，画面深沉，有极强的乡土气息。这也表现出梵高很强的农民情结，他似乎很想成为一位农民画家。一方面，他受到“精神导师”米勒的影响，更重要的可能是内心深处对乡间生活的向往，对淳朴农民的尊敬和对诚实劳动的赞美。
梵高最早的油画是作于1882年。这些早期的画作说明他在年青时对于明暗对比的应用、厚涂颜料和颜色缺乏光泽方面，受到荷兰画派影响颇深。在纽南时期的肖像习作使梵高学会了构图，自此其肖像画创作变得成熟。
梵高早期最出色的作品之一《吃土豆的人》完成于1885年，是这个时期的典型作品。这幅画是他1883年到1885年间在纽南逗留期间观察和工作的产物。在海牙居住时，由于工业化，城市贫民区的居民被驱赶到矿场山底下工作，他们的悲惨处境带给梵高很深的印象，所以他就着手画一系列农民习作，描绘他家附近田间和村庄里的人物。
3、安特卫普时期创作（1885年11月28日—1886年2月28日）
1885年11月底，梵高决定去安特卫普，在那里的3个月里，他努力的学习绘画并沉醉于其中。在此期间，他了解鲁本斯的绘画，接触到了日本浮世绘，这些都对他此后的绘画历程有很大影响。梵高此时期的作品延续了纽南时期的现实主义风格和深沉的笔触，但他也渐渐使画布变得明亮了些，色彩也丰富了些。
4、巴黎时期创作（1886年3月—1888年2月20日）
1886年2月底，梵高同提奥一同前往巴黎。巴黎之行成为梵高艺术上的转折点，在那里，他接触到早期印象画派艺术，结识了劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会，从马奈、莫奈、雷诺阿的光色变幻的色彩价值中受到启发，促使他改变自己原先的阴郁风格。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非凡的个性。
很快，梵高走了一条新路。他内心有一种更为强烈的主观愿望需要表达。他需要找到一种能够充分传达内心感受的绘画方法。他从德拉克洛瓦和当时流行于巴黎的日本版画中吸取养分。德拉克洛瓦的鲜明色彩和奔放笔触给他带来视觉冲击；他又从日本版画中看到一种东方式的主观变形效果和使用原色的魅力。
在受到印象派影响后，梵高的画风发生了变化，画面变得明亮起来。他还在创作中吸收了印象派的一些技法，如点彩法等。这一时期梵高开始了大量的自画像的创作。2年后，梵高渐渐厌烦了巴黎的城市生活。他并不满足于印象派的表现手法和思想理念，而他独特的个性告诉我们，梵高的绘画不属于任何流派，于是梵高带着希望来到法国南部，充满阳光的小城阿尔，迎来了他最辉煌的创作时期。
5、阿尔勒时期创作（1888年2月21日—1889年5月3日）
1888年，梵高前往法国南方阿尔勒实践自己的理想。对他而言，艺术是一种纯个人的表现形式，他认为作品的真正价值在于诚实体现个人的感受。他要把自己情感作为艺术创作的动力和表现对象。在阿尔的短短的两年中，他创作激情喷涌而出。他在给提奥的信中说道：“我经常神志不清，意识不到自我，画面就像梦幻一样冲我而来。”
这个时期，他画肖像画、自画像、柏树、向日葵、麦田、星空、太阳。这时颜料的革新也给他带来鼓舞。他尝试用一种原色来表达主题，用近似的补色作画面的呼应与映衬，或用鲜明的对比色作深入的延伸。
从《向日葵》中，我们可以看到一种高纯度色彩所带来的强烈的视觉冲击力，明亮的铭黄作为背景，衬托着用中黄和橙黄描绘的向日葵，令画面有一种极致的灿烂效果。
他还以蓝色或黄色基调尝试画不同的自画像，他深入探寻自己内心的奥秘，以及在激情驱使下出现的不同的情绪张力。梵高是继伦勃朗之后又一个大量绘画自画像的艺术家，他像伦勃朗一样，有一种深入自己精神深处的愿望，他的孤傲与自我期许令他不断地趋向自己的内在。
而《夜间咖啡馆》则有着巨大的压抑感。梵高将红色和绿色并置，以期达到画面的不和谐效果，桌球台像一具棺材那样醒目地横陈在中间，零落的几个人散置在周围，死气沉沉。梵高在信中曾谈到这幅画：“我在《夜间咖啡馆》里利用红色和绿色来表现人类的可怕情景，这些色彩不是呆板地按照现实主义的原则要求……而是一种富有暗示力的色彩运用……我试图表现出夜间咖啡馆是一个令人发疯、犯罪的场所；我通过柔和的粉红色、血红色、深红的酒色和一种甜蜜的绿色、委罗奈斯绿相对照来达到这一目的。这一切表现出一种火热的地狱气氛、惨白的苦痛、黑暗，压制着昏昏欲睡的人们。”
《黄房子》为梵高在阿尔勒的居所，他租下位于画面上建筑物右侧一个小房间，希望尽快接纳高更前来一同居住与绘画。梵高画这幅画是充满感情的，他打算把黄房子变成一个画家之家，这是他的一个具有乌托邦色彩的想法。他曾在给弟弟提奥的信中谈到了他的设想：“我想把它搞成一个真正的‘画家之家’，它并不华贵，正相反，其中没有一样华贵之物。”在这幅作品里，黄色房子位于满是尘土的拉马丁广场左侧，在深蓝色天空下闪闪发亮。他当初想把这幅画画成夜景：“窗口亮着，空中繁星闪烁”，但在定稿时，他强调了阳光的照射所带给人温暖的感觉。
在阿尔勒，猛烈的阳光和刺目的麦田使他“疯狂”。梵高的创作进入了高峰。虽受法国印象派和日本浮世绘影响，但他的作品已极具个性，这源自其独特的视角和敏感的性格。他热爱大自然，热爱生命，他不满足于只是理性的“模仿事物的外部形象”，而要借助绘画“表达艺术家的主观见解和情感，使作品具有个性和独特的风格”。所以，梵高是用心灵作画的大师。梵高在阿尔创作了大量的作品，但仍无法卖出以养活自己。《向日葵》《收获景象》《夜间咖啡馆-室外》《夜间咖啡座-室内》等是这一时期的代表作。
幸好，梵高在艺术上有着勃勃雄心，他不相信先前的艺术家已经捕捉到了法国南部的所有风光。在他看来，许多艺术家的作品遗漏了事物的精华。“贤明的主啊，我已经看过了一些画家的作品，他们根本没有真正画出这些事物，”他欢呼道，“在这里我还有充足的发挥空间。”
举个例子，没有人曾经捕捉过阿尔勒镇上中年中产阶级妇女独特的形象。“这里有一些妇女像弗拉戈纳尔或是雷诺阿画中的人物。但是，这里还有一些女人是此前在绘画中从未被赋予某种标记的。”他还发现自己在阿尔勒镇外看到的在田间劳作的农夫也被艺术家忽略了：“米勒重新唤起了我们的思考，使我们能够看到大自然中的居民。但是，直到现在仍然没有人画出真正的法国南方人。”“我们现在已经基本知道如何去看待农夫了吗？不，几乎没有人知道如何将他们表现出来。”
在梵高于1888年踏上普罗旺斯之前，百年来一直有画家把这个地方的景色搬上画布。普罗旺斯比较知名的艺术家有弗拉戈纳尔、康斯坦丁、毕道尔和艾吉耶。他们全部都是现实主义画家，他们都信奉一个经典的，而且较少引起争议的观点，即他们的任务就是在画布上展现了一个视觉世界的精确版本。他们走进普罗旺斯的田野、山川，画出了栩栩如生的柏树、林子、青草、麦子、云朵和公牛。
然而梵高却坚持认为，他们中的大部分并没有画出这些景物的神髓，对普罗旺斯的描绘不够真切。我们倾向于将那些充分表达出周遭世界核心要素的图画称为现实主义的作品。但是世界是如此复杂，并足以使两幅描绘同一个地方的现实主义作品因艺术家风格和气质的不同，而呈现出完全不同的景象。两个现实主义画家有可能坐在同一片橄榄林的一端，创作出迥异的素描。每一幅现实主义作品都代表一种选择，画家从真实世界中选取他认为突出的特质来表现：没有一副绘画作品可以捕捉整个世界，就好像尼采略带嘲讽地指出的那样：现实主义画家。
6、圣雷米时期创作（1889年5月3日-1890年5月16日）
1889年2月，梵高第二次精神病复发。他白天在自己工作室里画画，到了晚上住进医院。阿尔城的一些居民递交了一份申请：请求当地政府对梵高进行隔离。同年5月，梵高第三次发病。
1889年5月8日，梵高自愿来到离阿尔勒25公里的圣·雷米。在圣-保罗精神病院治疗。这时的梵高已陷入对精神病的恐惧和对前途的迷茫中。他每隔几个月发一次病，但事后却非常清醒，并且经常到户外作画。令人惊叹的是，梵高在这样的情形下并没有颓废，开始以火一般的热情继续画画。他画的不是阿尔城的向日葵画，而是柏树和橄榄树画，画出了一幅幅更加成熟，更加大胆，更加令人震撼的作品。这一时期的作品，许多都表现出强烈的情绪和“视觉冲击”，旋转的线条，粗犷有力，让人感到画家复杂强烈的感情和表达的冲动。
《星空》呈现的是奇异璀璨的夜空景象。原本寂静的星空在梵高笔下变得躁动、奔放和跳跃，粗重的笔触有力地扫过画面，使云层像蓝色的火焰一样旋转和燃烧，星星则宛如太阳一般含着硕大的黄色光晕。画面映现出一种疯狂与诡异的情绪，强力地传达着梵高的内心景象。
梵高在圣·雷米病院中所画的最初的油画中，画满了这里的花或植物。其中最出色的显然是在花园里画的一幅大油画, 画中的鸢尾花好像是由花和叶子精致编成的纺织品, 上面几乎既看不见地, 也看不见天。整个画面构图以相同形状的花、相同形状的叶子、相同的颜色反复出现来表现百花盛开的令人眼花缭乱的情景。
代表作品有：《星夜》、《柏树》等。值得一提的是，正是这时，评论家开始评论梵高，而且卖出了他生前唯一一张油画《在阿尔勒红葡萄园》。
7、奥维尔时期创作（1890年5月21日—1890年7月29日）
1890年5月17日，梵高前往巴黎，与弟弟提奥和他的妻子，及他们刚出生一年多的儿子见面（梵高的侄子也叫文森特·梵·高，后来成为出色的工程师，荷兰阿姆斯特丹梵高美术馆就是在他的奔走下建立的。）
5月21日，梵高搬到巴黎附近的奥维尔接受加歇医生的治疗。一切都很顺利。但《麦田群鸦》这一著名作品被认为预示了梵高的死亡。
梵高在奥维尔创作的作品中, 有13幅画面窄长的作品格外引人注目, 在意境上似乎构成了一个整体, 而且明显地带有乡间乌托邦色彩。研究梵高的学者乌都注意到了这十几幅画另具一格的构图。它们同属一类, 两个正方形的长度以及在某种程度上所表现的内容都类似于皮维·德·沙瓦纳和卡米耶·毕沙罗的装饰画。梵高来奥弗途经巴黎时看到过他们那些装饰画。然而, 人们一般总是把梵高这些两个正方形长度的作品一幅一幅地单个分析。例如"麦田群鸦"就一直被孤立看待, 人们盲目地认为它是梵高的"最后一幅作品", 认为这幅画从根本上说是作者心理的自我表现, 说这幅作品以及梵高在奥弗的其他作品是作者精神变态的产物, 暗示了作者即将自杀。这样看法掩盖了这些作品的真正内涵和它们之间的联系。但若从总体上考察, 这些作品构成了一个有自己独特风格的装饰画系列, 它们所描绘的田野、树林、花园, 甚至单人的肖像, 都反映了一种现代的田园生活理想。
梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。
"奥维尔这地方非常美，那些越来越少的古老茅屋，更美!"——梵高
我更相信那美丽来自梵高的心中！——左立新
在这最末期的作品中，更显得自在阔达，宛如深藏在自然中魅惑的根源，被他的笔尖诱上了画布。南法时期的作品中，蓄满血丝、煎熬的视线，至此时已有改变，现在的线条像舞台上的音乐，含有律动感。柔软的笔触时而强、时而轻，那种缓急轻重感，变得很自在。
《麦田群鸦》尽管有着他那惯有的金黄色，但却充满令人不安的气氛，蓝天中弥漫着低沉的乌云，一群凌乱低飞的乌鸦掠过麦田，像是一种不祥的预兆，虽然红绿色相间的小路和黄色的麦田在波动起伏，像是在奋力抗争，但整个画面沉重得叫人透不过气，似乎空气也凝固了。狂暴跳动的笔触增加了一种紧张感和压抑感。画作反映了他痛苦绝望的心境。他在信中写道：“忧郁的天空下是广阔的麦田，我无需费力表达我的悲伤和极度孤独。”“我听见乌鸦的翅膀拍着大地。”
画完这幅画的第二天，7月27日，星期天。他来到这块麦田上，对着自己的胸膛开了一枪。但没有打中要害，他自己支撑着回到旅店。他拒绝接受治疗，也有说是由于子弹太深了，已无法医治。
7月28日一早，提奥赶到奥维尔。他坐在梵高床边和他一起回忆童年的时光……
梵高在弥留之际说道：“痛苦将永存”
7月29日黎明，梵高逝世。死时年仅37岁。
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